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Synopsis

Quatorze ans après la disparition du grand héros, Laolyth, la seule barrière entre les monstrueux Rizoms et la destruction de l'humanité sont quelques braves soldats et les Shields, d'immenses murs entourant les villes restantes.

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Alors que les Boucliers éloignent les Rizoms de la population, seuls les puissants gardes de la Guilde traversent les murs en tant que commerçants entre les villes ressemblant à des forteresses.

Kam, un garçon orphelin vivant dans la ville de Grisfynn, se prépare à devenir l'un de ces soldats, ce qui lui permettrait de voyager avec des caravanes marchandes à travers le monde.

Mais il cache un dangereux secret que même sa famille d'accueil bien-aimée ne réalise pas du tout... 

La politique et la haute fantaisie se heurtent dans ce manga bourré d'actions et d'aventures.

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Le saviez-vous ?

Histoire de l’art japonais

Les années 60 : une explosion de nouveaux genres 

Avec la disparition de la domination du réalisme socialiste, les années 1960 ont vu une explosion de nouvelles formes d'art au Japon, alors que les arts se développaient dans de nouvelles directions qu'on pourrait qualifier de « postmodernes ». 

Des collectifs d'artistes tels que Neo-Dada Organizers, Zero Dimension , et Hi-Red Center ont exploré des concepts tels que « non-art » et « anti-art » et ont organisé une variété d'« événements », de « happenings » audacieux et d'autres formes d'art de la performance conçues pour éroder les frontières entre l'art et la vie quotidienne. Le groupe Mono-ha a également repoussé les frontières entre l'art, l'espace, le paysage et l'environnement. 

D'autres artistes, comme le graphiste Tadanori Yokoo, se sont inspirés de la contre-culture des années 1960 et de l'explosion de nouvelles formes de bandes dessinées manga destinées aux adultes. Dans les arts de la scène, Tatsumi Hijikata a lancé une nouvelle forme de danse postmoderne appelée Butoh, et des dramaturges tels que Jūrō Kara et Satō Makoto ont créé le style Angura de théâtre « underground » radical.

Et en photographie, des photographes tels que Daidō Moriyama ont été les pionniers d'une nouvelle école de photographie d'après-guerre extrêmement influente qui mettait l'accent sur la spontanéité plutôt que sur une composition soigneusement mise en scène et célébrait les caractéristiques « sont, bure, bokeh » (littéralement « rugueux, flou, flou »).

La prolifération de nouveaux types d'art a été soutenue par la formidable croissance de l'économie japonaise dans les années 1960, connue comme le « miracle économique japonais ». 

Au cours des années 1960, l'économie japonaise a connu une croissance de plus de 10 % par an. L'augmentation de la richesse a créé une nouvelle classe de consommateurs qui pouvaient se permettre de dépenser de l'argent pour l'art et de soutenir différents types d'art et d'artistes. Pour la première fois dans l'histoire moderne du Japon, il est devenu viable pour un nombre important d'artistes de gagner leur vie uniquement en vendant leur art.

Le boom de la construction des années 1960 au Japon, qui a nivelé l'ancienne architecture japonaise traditionnelle en bois et papier et l'a remplacée par des mégapoles étincelantes de verre et d'acier, a contribué à inspirer de toutes nouvelles écoles d'architecture japonaise, telles que le mouvement du métabolisme (architecture) mené par Kenzō Tange, qui s'est audacieusement libéré des modèles conventionnels et s'est avéré influent dans le monde entier.

Dans le même temps, cependant, le monde de l'art restait dominé par des cliques qui faisaient la promotion des œuvres de certains artistes (généralement des hommes) par rapport à d'autres. Comme il est devenu beaucoup plus facile pour les Japonais de voyager à l'étranger dans les années 1960, certaines femmes artistes telles que Yayoi Kusama et Yoko Ono ont trouvé un meilleur accueil à l'étranger et ont décampé pour des centres artistiques tels que Londres, Paris et New York, tout comme de nombreux artistes masculins comme bien.

Le triomphe des nouvelles formes d'art japonais a été cimenté à l'Exposition universelle d'Osaka de 1970, où des dizaines d'artistes avant-gardistes et conceptuels ont été embauchés pour concevoir des pavillons et des expériences artistiques pour les festivaliers. L'art d'avant-garde japonais était devenu mondial et était devenu quelque chose que même le gouvernement conservateur était fier de montrer au monde.

Les années 1970 et 1980 ont vu l'art japonais se poursuivre dans de nombreuses directions commencées dans les années 1950 et 1960, mais souvent avec des budgets beaucoup plus importants et des matériaux plus coûteux.

Alors que l'économie du Japon a continué à se développer rapidement et est finalement devenue l'une des plus grandes bulles économiques de l'histoire. La monnaie japonaise devenant incroyablement forte à la suite de l'Accord du Plaza de 1985, les particuliers et les institutions japonaises sont devenus des acteurs majeurs du marché international de l'art.

Des méga-entreprises japonaises extraordinairement riches ont commencé à construire leurs propres musées d'art privés et à acquérir des collections d'art moderne et contemporain, et les artistes japonais ont également grandement bénéficié de ces dépenses.

En particulier, la production artistique a continué de s'éloigner de la peinture et de la sculpture traditionnelles en direction du design graphique, du pop art, de l'art vestimentaire, de l'art de la performance, de l'art conceptuel et de l'art de l'installation. 

Divers types d'art « hybride » sont de plus en plus en vogue. À mesure que la technologie progressait, les artistes intégraient de plus en plus l'électronique, la vidéo, les ordinateurs, la musique et les sons synthétisés et les jeux vidéo dans leur art.

L'esthétique du manga et de l'animé, dans laquelle tant d'artistes plus jeunes avaient grandi, a exercé une influence croissante, quoique parfois assez subtile. Surtout, les artistes ont évité tout ce qui sentait le « grand art » ou les « beaux-arts » en faveur du personnel, de l'éclectique, du fantastique ou du fantasmagorique et du ludique. En édition, des artistes féminines telles que Mika Yoshizawa sont de plus en plus acceptées et soutenues par le monde de l'art au Japon.

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