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Synopsis

Quatorze ans après la disparition du grand héros, Laolyth, la seule barrière entre les monstrueux Rizoms et la destruction de l'humanité sont quelques braves soldats et les Shields, d'immenses murs entourant les villes restantes.

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Alors que les Boucliers éloignent les Rizoms de la population, seuls les puissants gardes de la Guilde traversent les murs en tant que commerçants entre les villes ressemblant à des forteresses.

Kam, un garçon orphelin vivant dans la ville de Grisfynn, se prépare à devenir l'un de ces soldats, ce qui lui permettrait de voyager avec des caravanes marchandes à travers le monde.

Mais il cache un dangereux secret que même sa famille d'accueil bien-aimée ne réalise pas du tout... 

La politique et la haute fantaisie se heurtent dans ce manga bourré d'actions et d'aventures.

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Le saviez-vous ?

Histoire de l’art japonais

Les années 60 : une explosion de nouveaux genres 

Avec la disparition de la domination du réalisme socialiste, les années 1960 ont vu une explosion de nouvelles formes d'art au Japon, alors que les arts se développaient dans de nouvelles directions qu'on pourrait qualifier de « postmodernes ». 

Des collectifs d'artistes tels que Neo-Dada Organizers, Zero Dimension , et Hi-Red Center ont exploré des concepts tels que « non-art » et « anti-art » et ont organisé une variété d'« événements », de « happenings » audacieux et d'autres formes d'art de la performance conçues pour éroder les frontières entre l'art et la vie quotidienne. Le groupe Mono-ha a également repoussé les frontières entre l'art, l'espace, le paysage et l'environnement. 

D'autres artistes, comme le graphiste Tadanori Yokoo, se sont inspirés de la contre-culture des années 1960 et de l'explosion de nouvelles formes de bandes dessinées manga destinées aux adultes. Dans les arts de la scène, Tatsumi Hijikata a lancé une nouvelle forme de danse postmoderne appelée Butoh, et des dramaturges tels que Jūrō Kara et Satō Makoto ont créé le style Angura de théâtre « underground » radical.

Et en photographie, des photographes tels que Daidō Moriyama ont été les pionniers d'une nouvelle école de photographie d'après-guerre extrêmement influente qui mettait l'accent sur la spontanéité plutôt que sur une composition soigneusement mise en scène et célébrait les caractéristiques « sont, bure, bokeh » (littéralement « rugueux, flou, flou »).

La prolifération de nouveaux types d'art a été soutenue par la formidable croissance de l'économie japonaise dans les années 1960, connue comme le « miracle économique japonais ». 

Au cours des années 1960, l'économie japonaise a connu une croissance de plus de 10 % par an. L'augmentation de la richesse a créé une nouvelle classe de consommateurs qui pouvaient se permettre de dépenser de l'argent pour l'art et de soutenir différents types d'art et d'artistes. Pour la première fois dans l'histoire moderne du Japon, il est devenu viable pour un nombre important d'artistes de gagner leur vie uniquement en vendant leur art.

Le boom de la construction des années 1960 au Japon, qui a nivelé l'ancienne architecture japonaise traditionnelle en bois et papier et l'a remplacée par des mégapoles étincelantes de verre et d'acier, a contribué à inspirer de toutes nouvelles écoles d'architecture japonaise, telles que le mouvement du métabolisme (architecture) mené par Kenzō Tange, qui s'est audacieusement libéré des modèles conventionnels et s'est avéré influent dans le monde entier.

Dans le même temps, cependant, le monde de l'art restait dominé par des cliques qui faisaient la promotion des œuvres de certains artistes (généralement des hommes) par rapport à d'autres. Comme il est devenu beaucoup plus facile pour les Japonais de voyager à l'étranger dans les années 1960, certaines femmes artistes telles que Yayoi Kusama et Yoko Ono ont trouvé un meilleur accueil à l'étranger et ont décampé pour des centres artistiques tels que Londres, Paris et New York, tout comme de nombreux artistes masculins comme bien.

Le triomphe des nouvelles formes d'art japonais a été cimenté à l'Exposition universelle d'Osaka de 1970, où des dizaines d'artistes avant-gardistes et conceptuels ont été embauchés pour concevoir des pavillons et des expériences artistiques pour les festivaliers. L'art d'avant-garde japonais était devenu mondial et était devenu quelque chose que même le gouvernement conservateur était fier de montrer au monde.

Les années 1970 et 1980 ont vu l'art japonais se poursuivre dans de nombreuses directions commencées dans les années 1950 et 1960, mais souvent avec des budgets beaucoup plus importants et des matériaux plus coûteux.

Alors que l'économie du Japon a continué à se développer rapidement et est finalement devenue l'une des plus grandes bulles économiques de l'histoire. La monnaie japonaise devenant incroyablement forte à la suite de l'Accord du Plaza de 1985, les particuliers et les institutions japonaises sont devenus des acteurs majeurs du marché international de l'art.

Des méga-entreprises japonaises extraordinairement riches ont commencé à construire leurs propres musées d'art privés et à acquérir des collections d'art moderne et contemporain, et les artistes japonais ont également grandement bénéficié de ces dépenses.

En particulier, la production artistique a continué de s'éloigner de la peinture et de la sculpture traditionnelles en direction du design graphique, du pop art, de l'art vestimentaire, de l'art de la performance, de l'art conceptuel et de l'art de l'installation. 

Divers types d'art « hybride » sont de plus en plus en vogue. À mesure que la technologie progressait, les artistes intégraient de plus en plus l'électronique, la vidéo, les ordinateurs, la musique et les sons synthétisés et les jeux vidéo dans leur art.

L'esthétique du manga et de l'animé, dans laquelle tant d'artistes plus jeunes avaient grandi, a exercé une influence croissante, quoique parfois assez subtile. Surtout, les artistes ont évité tout ce qui sentait le « grand art » ou les « beaux-arts » en faveur du personnel, de l'éclectique, du fantastique ou du fantasmagorique et du ludique. En édition, des artistes féminines telles que Mika Yoshizawa sont de plus en plus acceptées et soutenues par le monde de l'art au Japon.

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Emanon

Et si vous ne pouviez jamais oublier vos souvenirs ? Et si ces souvenirs étaient transmis, de génération en génération, depuis le début de l'histoire humaine ?

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C'est la prémisse centrale d'Emanon: Memories of Emanon, un roman graphique magnifique et émouvant de Shinki Kajio et Kenji Tsurata. Adapté de la nouvelle SF primée du premier Taishō, il est raconté du point de vue d'un jeune Japonais en 1967, l'année où James Bond est venu au Japon, la guerre a continué de faire rage au Vietnam et trois astronautes sont morts dans une capsule tragique. C'est aussi l'année où notre narrateur anonyme rencontre Emanon à bord d'un ferry, une mystérieuse jeune femme à la mémoire parfaite de trois milliards d'années.

Le manga se déroule sur un peu plus d'une journée, et chaque chapitre est divisé en horodatages, chacun capturant des instantanés résonnants du temps passé par le narrateur avec Emanon qui finissent par rester avec lui pour toujours. Le manga fait un travail sans effort pour vendre sa prémisse, un concept intelligemment réalisé où une mutation génétique fait que les souvenirs ne sont jamais oubliés, au lieu de cela transmis de mère en fille depuis tout le chemin jusqu'à nos origines bactériennes.

C'est une histoire merveilleusement réfléchie et intime, méditant sur la façon dont les expériences humaines nous façonnent et nous changent, sur le fait de chérir le moment et l'importance des souvenirs. Mais c'est aussi une romance réconfortante à propos d'une rencontre fortuite éphémère entre deux personnes partageant les mêmes idées.

Et il est d'autant plus servi par les illustrations tout aussi saisissantes de Tsurata, les fans de son travail passé (L'île errante nominée par Eisner) seront familiers avec son style pictural. Exquisement détaillés et gracieusement composés, les dessins doux de Tsurata complètent parfaitement la nature détendue et fluide de l'histoire d'Emanon. Mieux encore, le livre comprend une poignée d'illustrations de Tsurata réalisées à l'aquarelle à couper le souffle.

À la fin du livre, les lecteurs sont récompensés par une interview assez approfondie avec les créateurs, révélant beaucoup de choses sur la façon dont l'histoire est née et comment les Tsurata les ont rencontrés, sont tombés amoureux et les ont finalement illustrés. Dans l'ensemble, une lecture incontournable pour les fans de réalisme magique et d'histoires de mangas «adultes» plus subtiles.

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Le saviez-vous?

Histoire de l’art japonais

La première réponse des Japonais aux formes d'art occidentales a été une acceptation à cœur ouvert, et en 1876, l'école d'art technologique (ja:工部美術学校) a été ouverte, employant des instructeurs italiens pour enseigner les méthodes occidentales. 

La deuxième réponse a été un mouvement de balancier dans la direction opposée mené par Okakura Kakuzō et l'Américain Ernest Fenollosa, qui ont encouragé les artistes japonais à conserver des thèmes et des techniques traditionnels tout en créant des œuvres plus conformes au goût contemporain.

C'était une stratégie qui a finalement servi à étendre l'influence de l'art japonais jusqu'à Calcutta, Londres et Boston dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale.

Pendant l'ère Meiji, l'émail cloisonné japonais a atteint un sommet technique, produisant des articles plus avancés que tout ce qui avait existé auparavant. La période de 1890 à 1910 était connue comme « l'âge d'or » des émaux japonais. Les artistes ont expérimenté avec des pâtes et avec le processus de cuisson pour produire des blocs d'émail toujours plus gros, avec moins de besoin de cloisons (enfermant des bandes métalliques).

Ainsi, les émaux sont devenus un support plus pictural, avec des motifs similaires ou copiés à partir de peintures traditionnelles. Les émaux avec un design unique au Japon, dans lesquels les fleurs, les oiseaux et les insectes étaient utilisés comme thèmes, sont devenus populaires. 

 En particulier, les œuvres de Namikawa Yasuyuki et Namikawa Sōsuke ont été exposées dans des expositions universelles et ont remporté de nombreux prix. Avec les deux Namikawa, la société Ando Cloisonné a produit de nombreux cloisonnés de haute qualité. Les émaux japonais étaient considérés comme inégalés grâce aux nouvelles réalisations en matière de conception et de coloration.

Art de l'après-guerre

Immédiatement après la défaite du Japon lors de la Seconde Guerre mondiale en 1945, un grand nombre d'artistes japonais sont tombés sous l'influence, voire ont rejoint, le Parti communiste japonais, qui venait d'être légalisé par l'occupation militaire du Japon dirigée par les États-Unis après de nombreuses années de répression. par la police japonaise d'avant-guerre et de guerre. Cela avait à voir avec le succès du Parti communiste à colporter l'idée dans les premières années d'après-guerre que le parti avait été le seul groupe au Japon à avoir résisté au militarisme en temps de guerre.

De plus, le mot japonais pour "avant-garde" (前衛, zen'ei), comme dans "avant-garde de la révolution communiste", se trouve être le même mot utilisé pour "avant-garde" que dans l'avant-garde artistique. Le Parti communiste japonais en vint bientôt à dominer les principales sociétés d'art et expositions au Japon, et ainsi la forme d'art prédominante au lendemain de la guerre était le réalisme socialiste qui dépeint la souffrance des pauvres et de la noblesse de la classe ouvrière, en conforme à la doctrine du Parti communiste selon laquelle tout art doit servir à faire avancer la cause de la révolution.

En 1952, le Parti communiste a même ordonné à des artistes tels que Hiroshi Katsuragawa et d'autres membres de la nouvelle Association d'art d'avant-garde (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) de se rendre dans les montagnes pour produire de l'art réaliste socialiste à l'appui de la « guérilla des montagnes escouades" qui tentaient de fomenter une révolution violente au Japon. 

Au cours des années 1950, de nombreux artistes japonais sont devenus de plus en plus déçus par la définition rigide et limitée de « l'art » imposée par le Parti communiste. Cependant, en raison de la prééminence continue des membres et des partisans du Parti communiste dans les rangs supérieurs des sociétés artistiques et des jurys d'exposition, les artistes ont trouvé qu'il était extrêmement difficile de montrer leur art à moins qu'ils ne se conforment aux directives du Parti. Certains artistes ont évité les expositions publiques formelles. D'autres ont cherché une reconnaissance, un soutien financier et des opportunités de montrer leur art à l'étranger, comme le groupe d'artistes conceptuels Gutai, fondé en 1954. D'autres encore ont profité des quelques expositions « indépendantes » sans jury au Japon, comme le Yomiuri Indépendant Exposition parrainée par le Yomiuri Shinbun, à laquelle tout le monde peut entrer.

Un dernier coup est venu avec les manifestations massives d'Anpo en 1960 contre le traité de sécurité américano-japonais (connu sous le nom d'"Anpo" en japonais"), en raison du rôle extrêmement passif joué par le Parti communiste prétendument "d'avant-garde". Le traité, une série de récriminations a conduit à une désillusion supplémentaire à l'égard du Parti communiste et de l'art réaliste socialiste, ce qui a poussé beaucoup plus d'artistes à rompre avec l'influence du Parti.

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